Jérémy Liron

Pour cette exposition présentée au Fort de Vaise, Jérémy Liron propose un parcours pensé comme un dialogue entre architecture, regard et mémoire. Vue(s), vigie, voisinages interroge les points de vue qu’offre le Fort de Vaise sur son environnement et notamment sur le Fort Saint-Jean, situé en vis-à-vis de l’autre côté de la Saône.

Le visiteur est invité à déambuler entre œuvres et architectures, dans un itinéraire rythmé par des dispositifs en bois rouge, fils conducteurs discrets mais essentiels à la lecture de l’espace. L’exposition s’ouvre sur une maquette rouge brique, fusion imaginaire des deux forts, reliquaire de pensée et poste d’observation, habitée par un personnage aux jumelles qui accueille les visiteurs. Elle se poursuit par une succession de peintures qui prennent appui sur l’architecture du fort, tout en dialoguant avec les œuvres de Tony Garnier et de Pierre Renaud exposées à leurs côtés.Le parcours se prolonge dans les casemates, salles voûtées inscrites au cœur de l’architecture du Fort de Vaise. Les compositions, souvent centrées et cadrées à la manière de fenêtres, tissent des correspondances subtiles entre intérieur et extérieur. Le Fort Saint-Jean se dévoile ainsi au loin, prolongeant le jeu de regards entre espace représenté et espace traversé.
La dernière salle attire l’attention vers des paysages plus éloignés, presque étrangers. Des œuvres végétales de Jérémy Liron, dialoguent avec des toiles issues des collections, signées Thérèse Contestin ou Pierre Combet-Descombes. Malgré leur éloignement dans le temps et le contexte de création, ces œuvres se répondent par leurs feuillages, leurs clairières et leurs formes fragmentées du vivant.
L’exposition se construit comme une déambulation dynamique, où se retrouvent les motifs récurrents de l’œuvre de l’artiste : architecture, vues frontales, l’image dans l’image. Entre présence concrète et projection mentale, l’exposition invite à penser ce que signifie voir, observer, habiter un espace.

Pour la quatrième année consécutive, la Galerie Masurel réunit une sélection d’artistes autour d’un format aussi simple que riche de possibilités : le papier. L’exposition collective Dream Paper 4 prolonge cette exploration libre, intuitive et vivante d’un support accessible, propice à toutes les expérimentations.

Chaque année, ce rendez-vous devient un laboratoire visuel, un espace d’échanges entre artistes confirmés et figures émergentes de la scène contemporaine. Cette nouvelle édition fait dialoguer les univers de Flora Castiglia, Jeffrey Cheung, Sune Christiansen, Idir Davaine, Gabrielle Graessle, Rhys Lee, Gwendal Le Bec, Jérémy Liron, Maite y Manuel, Bruno Ollé, Julian Pace, Ricardo Passaporte, Luis Pérez Calvo et Motonori Uwasu.

Leurs œuvres, traversées par la mémoire, la culture populaire, l’abstraction ou le langage du corps, composent une cartographie sensible du regard contemporain. Le papier devient ici terrain d’observation ou de fiction, support brut ou surface graphique, fragment de narration ou outil de résistance.

Cette contrainte du papier – librement interprétée – invite à la fois au jeu, à la rigueur, et à la liberté. Matériau accessible, mobile, familier, il incarne une volonté de rendre l’art plus proche, plus immédiat. Dans une époque saturée d’images numériques, Dream Paper propose un retour à la main, au geste, à la matière.

Petits formats ou grandes fresques, pages de carnet ou papiers industriels, dessin, collage, peinture, techniques mixtes : cette quatrième édition confirme le désir de la galerie de défendre une création contemporaine ouverte, joyeuse et sans hiérarchie de médium.

Année après année, Dream Paper s’impose comme un espace d’expression où les artistes, chacun à leur manière, réinventent le monde à partir d’une simple feuille.

A partir du XVI° siècle, le paysage s’instaure en « genre pictural » – selon la classification académique – : les fonds des tableaux remontent vers les premiers plans et ouvrent de nouveaux champs iconiques. 

Structuré par le regard, le paysage est tout d’abord une opération de cadrage, une projection des dehors, une construction des lointains, une étendue imaginaire, un processus d’artification : voir le monde en paysages. Les artistes ne cessent de reconfigurer cette invention et de questionner les horizons de la fabrique du paysage.

Peindre d’après le genre paysage qui fait effraction dans les œuvres de Pierre Buraglio. L’artiste s’arrange pour mettre en pièce la dramaturgie du pittoresque et revenir au tableau. Il  décompose par exemple la mécanique de l’horizon : raccordés, montés, encadrés, deux pans se distinguent en plans et construisent l’illusion d’un panorama, mais simultanément, ils nous ramènent à la matérialité de leurs surfaces. D’autres pièces rapportées – cadres de sérigraphie tronqués, fragments de peintures de paysages glanées, repentirs d’architectures… – sont assemblées en paysages de peinture. Par ailleurs, les sections de châssis vitrés, montants/verres colorés – relèvent de paysages métonymiques et nous rappellent que « la fenêtre est le lieu du paysage. Le paysage a lieu dans la fenêtre ». Par la fenêtre, le « dehors » se fait paysage. La veduta est dès-lors enchâssée dans l’iconique porte de 2 CV, comme un cadre, comme un tableau. Elle contient la mémoire  (le « vécu » selon l’artiste) des paysages parcourus. Sa fenêtre qui a vu défiler les paysages qu’elle a recadrés est rehaussée de peinture. A sa surface, par recouvrement, les coups de pinceau filés à l’horizontale opacifient le plan vitré et font écran à l’illusion perspective. « L’horizon c’est la peinture » rappelle Pierre Buraglio. 

Chez Jérémy Liron, les lumineux ciels bleus comme des écrans picturaux tendus à la surface de la toile font écho à cette paradoxale « profondeur plate » chère à Buraglio. Liron partitionne également le paysage, il agence, syncope et fait décoïncider les plans, il dépeint le paysage comme architecture du regard. Le conventionnel format paysage est souvent renversé : dans les compositions verticalisées les éléments paysagés contrastés sont diversement recadrés par des structures qu’ils prolongent, débordent, redoublent. Cadres et fenêtres façonnent les Paysages de Jérémy Liron et surlignent leur rythmique géométrique. Parallèlement les motifs végétaux et organiques viennent perturber la quadrature de cette trame. L’artiste laisse aussi transparaitre aux bords des tableaux, le feuilletage des sous couches, les dessous de la peinture. Ainsi, les profondeurs représentées sont-elles rabattues en plans colorés à la surface de la représentation. Par endroits, le paysage en hors-champ est encore projeté en ombres et lumières.

Les photographies de l’ensemble Borderland de Tania Mouraud sont également des projections lumineuses du paysage environnant. Au milieu des champs, sur les bords des routes,  ce sont les ponctuations scintillantes de bottes de paille enrobées dans du plastique brillant qui ont attiré son regard. Leurs surfaces réfléchissantes opèrent comme des dispositifs photographiques. En recadrant en gros plan leurs surfaces photosensibles, Tania Mouraud éclipse la matière végétale en décomposition et dévoile, sur le motif, le paysage en contre-champ. Comme des peaux, leurs textures, froissées, plissées rappellent aussi les stries du pinceau. Les photographies pictorialistes de l’ensemble Borderland troublent les regards. Mise au point flottante du dispositif optique : le paysage se dissout en phénomènes lumineux impressionnistes. 

Le motif du paysage est encore suspendu dans les sillages des nappes de couleurs enchevêtrées à l’encre sur papier dans les œuvres de Claire Chesnier. Les lumineux champs colorés modulés de manière organique dissolvent tout point focal, et par là-même, tout repère spatial. A perte de vue, les encres effilées plein cadre, comme des fragments d’immensités diaphanes, s’ouvrent à la contemplation. L’expérience d’une profondeur de champ hors limite confère alors au sublime. « Je suis debout, face à ces grands panneaux, ces champs […] jouant de dégradés, de rivages, d’halos […]. Je bascule dans la sensation. Je perds la perception du sol. Gagne un vertige … », écrit Jérémy Liron. De ces abstractions verticales, à l’échelle du corps, affleurent des horizons liquides et l’impression d’évènements météorologiques pigmentaires qui se déploient, d’une œuvre à une autre. Au-delà de toute représentation, les étendues atmosphériques sont des paysages géologiques où les surfaces découvrent les stratigraphies diffuses de voiles de couleurs cristallisés qui rayonnent dans l’épaisseur du papier. 

Les œuvres de Pierre Buraglio, Claire Chesnier, Jérémy Liron et Tania Mouraud, mises en regard dans cette exposition, réinvestissent les lieux communs du paysage, en redéfinissent les points de vue et en dévoilent les hors-champs.